Kim Høltermand y la gente que consigue sus propósitos. Dresslab. Enero

Empieza un año nuevo y, conscientemente, nos centramos en el 14 y en que el 2013 se acabó, en lugar de ver que un mes más al 31 le sigue el 1 y al martes el miércoles.

Necesitamos darnos una nueva oportunidad para mejorar todo lo que llevamos años proponiéndonos mejorar, para pensar que este año sí que conseguiremos despejar las dudas que a menudo nos impiden avanzar. Este año sí que atravesaremos las nubes y alcanzaremos la claridad… Volveremos a escribir nuestras metas en una libreta y las releeremos con fe: esta vez sí.

He escogido las imágenes del fotógrafo autodidacta Kim Høltermand (1977) para ilustrar esta sensación de incertidumbre ante el año que acaba de invitarnos a compartir otros 365 nuevos días. Paisajes solitarios, desolados, en los que los juegos de luz y la niebla potencian la presencia de sus escasos elementos.

Escenas capaces de conseguir que las identifiquemos con nuestros estados de ánimo, con el futuro luminoso que nos espera al otro lado si seguimos desvelando incógnitas mientras caminamos hacia delante.
Quizá este diseñador gráfico danés amante de Suecia, se propuso cambiar de rumbo a principios de 2007 mientras escuchaba su música favorita -Sigur Rós, Moby, Trentemøller, Hammock, Max Richter…- y la popularidad que sus imágenes obtuvieron en las redes sociales, hizo que su sueño se convirtiera en realidad.
Ahora aconseja al resto de aspirantes a seguir un camino propio que confíen en su talento y se mantengan fieles a su estilo aunque no le guste a todo el mundo, aunque no lo consigan a la primera…

¿Y por qué no? Quizá todos nuestros tropiezos anteriores sí que nos han servido para aprender qué ruta elegir en el 2014, para desarrollar nuestros propios faros antiniebla -y hasta los anti-tinieblas- y para discernir cuál es la piedra más segura a la que agarrarnos hasta que pase la marea y podamos alcanzar la costa.

Feliz 2014 y a seguir intentándolo. Quizá esta vez sí…

OSAMU YOKONAMI. Dresslab. Noviembre

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OSAMU YOKONAMI. Fotografías que sugieren emociones

¿Qué sucede cuando a un individuo lo vistes igual que a otros siete y lo colocas en medio de la inmensidad del paisaje junto a los demás? Sucede que el individuo desaparece y cuando observas la imagen solo percibes al grupo y la belleza de la composición en su conjunto. Desaparece la personalidad de cada uno de sus componentes y casi de forma inmediata nuestra imaginación empieza a fabular historias sobre cómo un grupo de adolescentes uniformadas, que parecen recién salidas del colegio, han acabado en medio de bosques, montañas y lagos…

Como si nos encontrásemos frente al fotograma de una película, con cada imagen de la serie Asembly, Osamu Yokonami es capaz de proyectar distintas emociones: el deseo de aventura, la sorpresa del descubrimiento, el entusiasmo y la energía de la adolescencia, la libertad que parece abrirse ante nosotros ante un paisaje por explorar, el juego…

El fotógrafo japonés Osamu Yokonami (Kyoto, 1967) empezó a hacer fotos con una cámara que le regalaron sus padres, copiando las imágenes de las revistas. Años más tarde, se graduó en Artes Visuales en Osaka y, antes de dedicarse a desarrollar sus propios proyectos, trabajó para el Bunka Publishing Bureau. Ahora compagina sus proyectos personales con algunos trabajos para publicidad y revistas.

Amante de la fotografía analógica y reticente al uso de photoshop en su obra, Osamu encuentra la belleza en la inocencia y la pureza y eso ha determinado que en los últimos años se haya decantado por fotografiar a niños y adolescentes.

Mientras idea su siguiente aventura, a Osamu Yokonami le gusta escuchar música folk japonesa…

OSAMU YOKONAMI. Photographs that evoke emotions

What happens when you dress one person the same as seven others and place them all beside each other in an infinite landscape? What happens is that the individual disappears and when you look at the image all you see is the beauty of the composition as a whole. The personality of the individual components disappears and almost immediately our imagination begins to conjure up stories as to how a group of uniformed adolescents who look like they have just finished school for the day have ended up here amidst the woods, mountains and lakes…

As though we were observing film stills, every image of the Asembly series Osamu Yokonami is capable of projecting a different emotion, be it the desire for adventure, the surprise of discovery, the enthusiasm and energy of adolescence, the sense of freedom that suffuses us when faced with an unexplored landscape, playtime…

Japanese photographer Osamu Yokonami (Kyoto, 1967) began taking pictures with a camera her parents gave her, copying images she had seen in magazines. Years later she graduated in Visual Arts in Osaka and, before dedicating herself to her own projects, worked for Bunka Publishing Bureau. She currently combines personal projects with occasional advertising and magazine jobs.

A lover of analogue photography and a reluctant user of Photoshop, Osamu has discovered beauty in innocence and purity, a fact that in recent years has led her to lean towards photographing children and adolescents.

While dreaming up her next adventure, Osamu Yokonami likes listening to Japanese folk music…

 

 

Gustavo Lacerda. Dresslab. Septiembre

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Gustavo Lacerda. Lo que soy ahora es la suma de lo que fui en el pasado

 

Hay trabajos fotográficos que consiguen captar nuestra atención pese a la cantidad de imágenes que cada día se asoman a nuestro campo visual. A menudo lo logran por gozar de una belleza particular. Hay proyectos que, además de esa belleza, nos hacen reflexionar sobre los retratados y modificar nuestra mirada sobre ellos. Gustavo Lacerda ha conseguido este objetivo con su serie dedicada a los albinos.

Gustavo Lacerda nació en Belo Horizonte (Brasil) en 1970 y vive en Sao Paulo desde 2000. Después de estudiar periodismo, comenzó a trabajar como fotoperiodista. Ahora sus fotos acaparan miradas en el mundo del arte y la publicidad.

Gustavo, ¿te han condicionado tus estudios de periodismo para desarrollar una mirada personal que no solo cuida la estética sino que se preocupa por un contexto social?

Creo que sí. Elegí periodismo porque me gusta leer y quería trabajar en algo que me permitiera aprender sobre la gente y hacer cosas que quizá pudiesen ser útiles.

¿Cómo empezaste a trabajar como fotógrafo?

Empecé como asistente en un pequeño estudio de mi ciudad donde aprendí técnicas y las posibilidades de la fotografía. Al mismo tiempo, tuve la suerte de haber estudiado en una universidad en la que los profesores me habían hablado de Diane Arbus, Robert Frank y muchos otros grandes fotógrafos.

¿Qué movimientos estéticos te interesan?

Me gusta mucho el cine y, en particular Antonioni y las primeras películas de Win Wenders. También me gusta mucho Edward Hopper. En general, el Renacimiento y el Impresionismo son grandes influencias como amante de los retratos.

¿Qué pretendes comunicar?

Creo que cualquier artista cuenta mucho de sí mismo. Mis motivaciones están conectadas a mis pasiones. Me gusta trabajar con aquello que me apasiona, que me hace sentir vivo y más humano -aún cuando cada vez descubro cuán incompletos e imperfectos somos-. Quizá mi arte me ayuda a conectarme conmigo mismo.

¿Cuál fue el origen de la serie dedicada a los albinos?

Albinos surge de mi interés por quienes son “diferentes”. Estudiando un poco sobre el albinismo, me di cuenta de que son invisibles socialmente. En mi país, por ejemplo, no hay ni estadísticas sobre el número de albinos. Viven en una vía secundaria y se sienten excluidos y discriminados. A partir de estas averiguaciones quería retratarlos, valorar su belleza y ponerlos en el punto de mira.

¿Qué significó esta serie en tu carrera?

Creo que este proyecto puso mi nombre en la escena artística. Aunque siempre he trabajado en proyectos personales, antes estaba considerado como un fotógrafo comercial.

¿Cuál es el proyecto de tus sueños?

Realmente, no tengo un “proyecto de mis sueños”. Al menos para mí, los mejores proyectos comienzan como cosas pequeñas y paso a paso, mi pasión por el tema lo convierte en mayor y mejor.

¿Cuáles son tus mayores miedos profesionales y personales?

No suelo pensar en ello… Probablemente, mi miedo profesional es que mi trabajo sea ignorado. Hacer algo que no le interese a nadie.
Personalmente mis miedos giran en torno a cómo de bueno será el mundo en el que crezca mi hija.

¿Con qué trabajo te sientes más identificado?

Como artista, me identifico mucho con el trabajo que estoy realizando ahora, pero me siento muy conectado con mis trabajos anteriores. Lo que soy ahora es la suma de lo que fui en el pasado.

¿Cuál es tu ambiente de creación ideal?

El “ambiente ideal” se produce cuando tu “ambiente interno” es bueno. Cuando quiera que esto ocurra.

Gustavo Lacerda. What I am now is the sum of what I was before

 

Despite the number of images that come into our visual area every day, there are some photographers who still manage to catch our eye. This most usually happens due to the particular beauty of the images. But there are also projects which, apart from mere beauty, demand a thought on their subjects and change the way we look at them. With his series dedicated to albinos, Gustavo Lacerda has achieved this objective.

Gustavo Lacerda was born in Belo Horizonte (Brazil) in 1970 and has lived in Sao Paolo since 2000. After studying journalism he began to work as a photojournalist. His photographs have caught the eye of many people in the art and advertising fields.

Gustavo, has this background as journalist conditioned a career as photographer interested not only in getting a beautiful image but also in pointing to social issues?

I think so, yes. I chose journalism because I like to read and to work in a field that allows me to learn about people and do something that may even be useful.

How did you first start working as a photographer?

I began as an assistant in a small studio in my home town, where I learnt about the technical aspects and possibilities of photography. At the same time I was lucky enough to have studied in a university where the professors had spoken to me about Diane Arbus, Robert Frank and many other great photographers.

Which aesthetic movements interest you?

I’m very fond of cinema, particularly Antonioni and the early films of Wim Wenders. I also like Dennis Hopper. In general, as a lover of portraits, the Renaissance and Impressionism are major influences.

What are you trying to communicate?

I think all artists tell a lot about themselves. My motivations are connected to my passion. I like to work with subjects that really move me, that make me feel more alive and more human, even while I increasingly discover how incomplete and imperfect we are. It’s possible that my art helps me to connect to myself.

What was the origin of the series dedicated to albinos?

The ‘Albinos’ series grew from my interest in people who are “different”. When I did a little research about albinos, I realised that they are socially invisible. In my country, for example, there are not even any statistics about the number of albinos. They live on a secondary plane and they feel excluded and discriminated against. On the basis of these findings, I wanted to portray them, appreciate their beauty and put them in the spotlight.

What has this series meant to your career?

I think this series has added my name to the artistic scene. While I have always worked on personal projects, before this I was always considered a commercial photographer.

Can you identify an evolution in your work, and in what direction is that evolution headed?

Yes, of course. Since my very first project, I have always preferred working with people who are on a secondary plane. Ordinary people are more interesting, more human and imperfect, like I am. I think nowadays I am more capable of producing work that has a greater consistency because I do a lot of research before I start.

The last objective you have attained?

My latest project was ALBINOS, and I am still working on that, preparing the book. At the same time I am preparing a new project with the provisional title of METANOIA.

What is your dream project?

I don’t really have a “dream project”. In my case the best projects begin on a small scale and, little by little, my passion for the subject converts it into something bigger and better.

What are your greatest professional and personal fears?

I don’t generally think about that… My professional fear is probably that my work be ignored. To do something that nobody is interested in.
On a personal level, my fears are related to the kind of world my daughter will grow up in.

What project do you most identify with?

As an artist, I identify the most with the project I am currently working on, but I also feel very much in touch with my previous work. What I am now is the sum of what I was before.

What is your ideal creative environment?

The “ideal environment” manifests itself when your “internal environment” is good, so, whenever that happens.

 

Anja Niemi. Dresslab. Julio

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Anja Niemi. Personajes que tienen grietas en sus fachadas

Anja Niemi se define a sí misma como una fotógrafa noruega cuyo modo de vida se basa en jugar a disfrazarse.
Cuando Anja era una adolescente, se dio cuenta que mediante la fotografía podía hacer realidad lo que imaginaba: “Ése fue mi punto de inflexión. Yo nunca fui buena con las palabras y finalmente encontré una forma de comunicarme. Desde entonces nunca me imaginé haciendo otra cosa. Me siento muy afortunada por poder tener el trabajo que tengo: ¡un trabajo disfrazándome y contando historias es increíble!. Aunque tengo que admitir que trabajo muy duro cada día para hacerlo posible, ya que como artista no existen garantías. Pienso que cada factura pagada es un objetivo logrado y ¡hay muchas más facturas por llegar!”

Anja cuenta que le fascina todo lo que subyace bajo la superficie: “Tendemos a esconder toda la fealdad de la vida y yo quería crear personajes que tiene grietas en sus fachadas. Creo que la mayoría nos beneficiaríamos bajando la guardia de vez en cuando.”

Quizá es buscando esos resquicios en los que no somos tan conscientes, que esta fotógrafa se declara fan del cine surrealista y de imágenes como las de la oreja encontrada en la hierba de “Blue Velvet”… “Es una imagen de mi juventud que nunca me abandona. David Lynch tiene una bella forma de mezclar lo surreal dentro de la vida cotidiana y yo reviso su trabajo a menudo en busca de inspiración y hasta para admirar su increíble paleta de colores”.

Otra clave que puede ayudarnos a explicar la obra de esta noruega es el hecho de que Anja creció mirando las pinturas de Edvard Munch, “…mi abuela era pintora y me las mostró desde que era muy joven. Munch se utilizó a sí mismo en su obra y habló de la necesidad de usar lo privado, la experiencia subjetiva, para crear imaginería y definiciones universales. Lo surreal, lo mundano y lo personal están presentes en mi obra hoy en día”.

Una clave más con la que explorar su universo es en la película PINA, de Win Wenders, donde Pina Bausch dice a uno de los bailarines: “¡tienes que volverte más loco!”. “Esa idea me impactó. Fue como conseguir la motivación para hacer algo que siempre creí que debía evitar”.

Anja siempre ha hecho autorretratos pero cuando era más joven reconoce que no separaba su vida personal de su trabajo: “Después de convertirme en madre, empecé a ser más protectora y consciente de la exposición y me sentí más incómoda. Durante algunos años apenas trabajé hasta que con la serie *Do not disturb* encontré la forma de mezclarlo todo sintiéndome bien. Aún me usaba a mí misma pero protegida a través de personajes que creo. Sigo compartiendo experiencias personales pero prefiero no ser clara acerca de qué corresponde a la representación de un papel y qué a un momento más íntimo.”
  
Le pregunto a alguien que pone tanto de su experiencia subjetiva en su obra si existe un arte femenino: “Creo que el buen arte debería ser capaz de comunicar independientemente del género”.

La atmósfera perfecta para crear para esta artista es "la soledad y una interminable cantidad de tiempo en una habitación inspiradora con Lillies of the valley, de Jun Miyake, sonando a todo volumen”. Sin embargo, en su próximo proyecto, Anja, va a renunciar a esa soledad, lleva algunos años con ganas de colaborar con su hermana, la escritora Lena Niemi. “Finalmente hemos empezado nuestro proyecto que será parte de mi siguiente serie “The Flamingo Motel”. ¡No puedo esperar a empezar!”. 

Anja Niemi. Characters with cracks in their façades

Anja Niemi defines herself as a Norwegian photographer who plays dress-up for a living.
As a teenager, Anja realised she had the ability to manifest her imagined reality through photography: “It was a huge turning point for me. I was never good with words and finally I had found a way of communicating. I never imagined doing anything else ever since. I feel pretty lucky to be able to have the job that I have. Being able to dress up and tell stories for a living is pretty amazing! I have to admit, though, that I do work really hard every day trying to make it work, and as an artist there are no guarantees. I think every bill paid is a goal, and there are many more bills to come!”

Another key that may help us explain Anja’s work is the fact that she grew up in the presence of the paintings of Edvard Munch, “…my grandmother was a painter and she introduced me to his work when I was very young. Munch often used himself in his work and talked about the necessity of using private, subjective experience to create ‘universal’ statements and imagery. The surreal, the mundane, and the personal are all parts of my work today”.

Yet another key for exploring her universe is the film PINA, by Wim Wenders, where Pina Bausch says to one of the dancers, “You just have to get crazier!” “That really got to me. It was like getting encouragement to do what I always thought I needed to stay away from”.

While Anja has always been creating self portraits, she recognises that when she was younger she couldn’t separate her personal life from her work. “After becoming a mother I felt protective and began to become more aware and uncomfortable with the exposure. There were a few years where I hardly made any work, and it was not until *Do not disturb*, that I managed to find a way to combine everything in a way that I felt good about. Still using myself, but protected by the characters I created. I continue to share personal experiences, but prefer for it to be unclear what represents me playing out a narrative and what it is a more intimate moment”.

As an artist whose work contains so much subjective experience, I asked her if she thinks there is such a thing as women’s art, “I think great art should be able to communicate to anyone regardless of their gender”.
The perfect creative environment for this artist is “…solitude and an endless amount of time in an inspiring room with Jun Miyake`s Lilies of the valley playing loudly”. In her next project, however, she will be renouncing this solitude. For many years now she has wanted to collaborate with her sister, the writer Lena Niemi, “…finally we have begun our project which will be included in my next series which has the working title ‘The Flamingo Motel’. I can’t wait to get started!”.



 

 

Matt Wisniewski. Dresslab. Mayo 2013

ENGLISH VERSION BELLOW

Matt Wisniewski (EEUU, 1990) tiene apellido polaco pero nació en Philadelphia y vive en Nueva York. Matt se dedica de manera profesional al desarrollo de páginas web, pero uno se debe a sus pasiones y su incipiente fama en las redes se debe a sus obras como artista gráfico: a collages digitales capaces de mostrar el abismo que llevamos dentro.
Matt cuenta que siempre ha hecho arte: “me gusta aprender y crear cosas nuevas. Sería difícil ignorar el arte. Profesionalmente, apenas trabajo como artista y, en lo que a mí concierne, es más una novedad”.

Matt afirma que no quiere comunicar nada a través de sus obras. “Cuando tengo un claro objetivo de qué imagen quiero conseguir, busco en todas las fuentes disponibles y empiezo a superponer capas de manera rápida hasta que encuentro la que más se asemeja a mi idea mental. Después paso bastante tiempo limpiando la imagen, suavizándola y haciéndola más refinada. Cuando juego sin tener una meta definida, utilizo cualquier imagen que me gusta y hago combinaciones hasta encontrar algo bello”.

¿Cuál es el punto de partida de tus collages?¿De dónde obtienes las fotos originales?
Almaceno fotografías de otros artistas siempre que puedo. Normalmente proceden de blogs dedicados al arte y de Tumblr. Al final, acabo combinando las dos cosas que me gustan: coleccionar imágenes y experimentar con Photoshop. La mayoría de técnicas que uso proceden de otras disciplinas con las que experimenté anteriormente (retoco, entinto y coloreo como en el cómic).
 
¿Pides permiso a los autores de las imágenes para utilizarlas en tus collages?
Pido permiso cuando quiero imprimirlas o sacar algún beneficio con ellas.

En tus collages, los paisajes cobran un gran protagonismo, ¿cuál es el lugar más inspirador en el que has estado y por qué?
En realidad no me encantan los paisajes, me gustan las cosas bonitas en general. No estoy seguro de cuál es el significado de “lo más inspirador”. ¿Lo que me inspira más frecuentemente?. Tendría que contestar que mi dormitorio, me imagino. Aunque no suena nada excitante.

¿Cuáles son tu ambiente de trabajo y tu proyecto ideales?
Me gusta tener más artistas alrededor con los que trabajar. Más opciones. Tengo muchas ideas que aún no soy capaz de ejecutar y por ahora no son más que ideas.

¿Cuál es tu tema de conversación favorito?
No lo sé. Me gusta aprender cosas nuevas y actuar de una forma ridícula.

¿Qué sorpresa te gustaría que te dieran hoy?
Nuevas oportunidades. No tengo muchos paisajes maravillosos o pinturas en alta resolución con los que trabajar así que recibir un email que adjuntase esto, me haría feliz.

¿Eres muy activo en las redes sociales?¿Qué han significado éstas en la difusión de tu trabajo?
Más o menos. Tengo un tumblr en el que comparto los collages cuando están acabados. Me da una sensación de que el trabajo está finalizado y así no desperdicio demasiado tiempo modificando detalles sin importancia. También me previne de juzgar si un collage es suficientemente bueno como para colgarlo. Yo creo que algunos de mis trabajos más conocidos son basura pero alguien disfruta con ellos así que seguramente está bien así.
Eso es prácticamente todo lo que hice para promocionar mi trabajo durante un tiempo. Al principio solo unos cuantos amigos lo veían y lentamente fue creciendo. No soy mucho más activo más allá de esto. Abrí una página en facebook de mala gana y la he actualizado una o dos veces. Eso ha sido todo.

Matt Wisniewski. The landscapes in us

Matt Wisniewski (USA, 1990) has a Polish surname but was born in Philadelphia and lives in New York. While he is a web developer by profession, everyone is accountable to their passion, and his incipient popularity on the web is due to his work as a graphic artist: his digital collages that have the ability to reveal the abyss inside us all.
According to Matt, he has always been creative: “I In terms of making art, it’s something I’ve always done. I like learning and making new things. Art would be hard to ignore. Professionally, I barely work as an artist and it’s more of a novelty as far as I’m concerned”.
Matt affirms that he doesn’t wish to communicate anything through his work. “If there’s a goal in mind I’ll sort through whatever resources I have and do quick overlays until I have something that matches what I’m going for. Then I spend time cleaning it up, making things look smoother and more refined. If I’m just playing around things are mostly the same but my resources are any images I like and what I’m going for is anything that looks pretty.”

What is the starting point for your collages? Where do you get the original photos from?
I always store photos from other artists when I can. I like playing around in Photoshop and collecting neat images on Tumblr so at some point I combined the two. The majority of techniques that I use come from other disciplines that I used to experiment with at an earlier stage (retouching, comic inking and colouring).

Do you ask the authors permission to use their images in your collages?
I do if it’s something that I want to print or make money off of in some way.

Landscapes play an important role in your collages. What is the most inspiring place you have been, and why?
I don’t really love landscapes. I just love pretty things. I’m not really sure what ‘most inspiring’ means. Most frequently inspiring? My bedroom I guess. That’s not very exciting though.

How would you describe your ideal work environment and your ideal project.
I just like having more artists to work with. More options. I certainly have ideas that I can’t execute yet but those are just ideas.

What is your favourite topic of conversation?
I don’t know. I love learning and acting ridiculous.

What would be a great surprise for you today?
New opportunities. I don’t have a lot of great landscapes or paintings to work with in high-res so that’s always a happy email to see.

Are you very active in the social networks? What have they meant to you as regards disseminating your work?
Sort of. I have a tumblr where I share collage as it’s finished. It gives me some closure that the work is “done” so I don’t spend too much time fussing over inconsequential details. It also prevents me from judging whether a collage is “good enough” to be shared. I think some of my most popular work is rubbish but it’s enjoyed by someone so that’s probably for the best.
That’s pretty much all I did to promote myself for a while. At first only a few friends were watching, and that slowly grew. I’m not terribly active beyond that. I reluctantly set up a Facebook page that I updated once or twice but that’s about the extent of it.

 

MATIN ZAD. “Sabía que quería ser artista”. Neo2. 2013

Fotografía de moda que es arte· Hombres entre flores y tonos pastel· Expresar emociones sin la mirada· Modelos con una cualidad etérea· Sensibilidad y vulnerabilidad.

Lo hemos descubierto gracias a su colaboración con el diseñador Duckie Brown. La belleza contenida en los pósters de modelos masculinos camuflados entre ropas y fondos florales, no ha pasado desapercibida.

Matin Zad es lacónico en sus respuestas, como si se tratase de uno de esos artistas que dejan que su obra hable por ellos. Este año cumple 26 años, acaba de graduarse en la neoyorkina School of Visual Arts (MFA) y carga una mochila de talento.

Antes de decidir qué es lo que iba a hacer, Zad ya sabía que quería ser artista: “solo tenía que encontrar la obra. La fotografía vino a mí de un modo natural al final de mi adolescencia. Es un medio que me permite compaginarlo con mis otras pasiones: la moda y los photo-books”. Una vez que encontró su vocación, no dudó en trasladarse de su Toronto natal a Nueva York persiguiendo llegar lo más alto posible en el mundo de la moda.

Para conseguirlo, su obra pretende “reflejar la poesía que reside en lo banal y transmitir una imagen de purgatorio heroico”. Matin busca dos ingredientes fundamentales: “modelos que olviden que están posando para ser ellos mismos y la luz natural con un halo de misterio de un día nublado”.

Una cita de la personalísima fotógrafa Diane Arbus le ayuda a no perder el rumbo a la hora de editar su trabajo: “Cuanto más específico eres, más general será”.

Además de esta cita, su lista de referencias está presidida por movimientos estéticos como la escultura del Formalismo, el Postminimalismo, el movimiento Antifashion de los años 90 y la obra de artistas como Maurizio Cattelan o Rei Kawakubo.

Pero Matin no quiere limitarse a la fotografía de moda. Entre los proyectos en los que está involucrado actualmente, uno de los que más le entusiasman es su debut como director en un corto: “Sucederá en una cocina de Brooklyn de hoy en día mientras el modelo se prepara una taza de café. Me gustan los planos secuencia que resultan líricos y conmovedores.”

En el horizonte, un claro objetivo: “Significar para el diseñador británico J.W. Anderson lo que Juergen Teller, para Marc Jacobs”.

Azahara Fernández. Wrong Magazine. Mayo

AZAHARA FERNÁNDEZ. “LA FOTOGRAFÍA SE CONVIRTIÓ EN MI VÍA DE ESCAPE”

Azahara, ¿cuándo empezaste a dedicarte a la fotografía?

- Empecé de casualidad en una época difícil hace unos años. Además, estudiaba Marketing y eso hacía todo más complicado porque lo odiaba. La fotografía se convirtió en mi vía de escape. Soy muy introvertida y necesitaba encontrar imágenes para identificarme y expresar lo que sentía.

¿Eres autodidacta?
- Diría más bien que soy una persona curiosa que nunca se aburre.


¿Cómo diste el paso para empezar a colaborar en revistas?
- Nunca estudié fotografía. Tampoco tengo a nadie en mi familia en quien apoyarme o a quien preguntar dudas... Así que este mundo lo veía muy lejos de mis posibilidades. Pero con el tiempo todo va saliendo.
Empecé colaborando mensualmente con editoriales temáticas en una revista online -nada que ver con la moda, más conceptual-. Me enganché al hábito de hacer fotos y quise seguir aprendiendo y buscando algo que me llenara hasta que entré como asistente en el estudio de Conde Nast España (Vogue, Vanity Fair, Glamour...) y fue un cambio radical. El equipo de gente que trabaja allí es increíble... llenos de vitalidad, siempre aprendiendo, superándose. Eran una inspiración para seguir adelante y lo siguen siendo. Me salvaron de seguir dando vueltas sin sentido.
Aunque acabo de terminar la dirección de foto de un largometraje, actualmente me dedico por completo a la fotografía. Colaboro en Vogue España digital, hago producciones para revistas nacionales e internacionales y en breve espero presentar una exposición personal fotográfica en Madrid.

¿Cuál de las facetas de la fotografía te interesa más: artista, editorial de moda, publicidad...?
- Los trabajos personales sin duda. Es lo más puro que un fotógrafo puede enseñar.


¿Cómo se ve el mundo de la moda desde el objetivo de un fotógrafo?
- Según el fin que se busque. Lo importante es mostrar tu propia visión y cansarte hasta hacer lo que te gusta.


¿Cómo se decide el tema y escenografía que inspirará una editorial de moda de una revista?¿qué margen de creatividad te dejan a ti?
- Depende de la revista y de los medios de los que disponga. Tengo la suerte de poder decir que si el tema ya está cerrado, tengo bastante margen para dirigir la creatividad de la editorial. Desde pre-producción (Casting modelos, localización...) hasta la post-producción de todas las fotografías.


¿Sigues el mundo de la moda?

- La verdad que no. Nunca me ha llamado la atención y con el tiempo cada vez menos.

¿Qué inspira los títulos de cada serie?

- Canciones y escenas de películas.

Una canción que sirviese de banda sonora para la serie Lost Highway:

- Anemone - The Brian Jonestown Massacre.

¿Qué libro podría protagonizar la protagonista de Beauty #2?

- Un libro de ilustraciones de Alphonse Mucha.

Has titulado una de tus series personales California Smell ¿Por qué California? ¿A qué te huele a ti?

- A sueños mezclados con tierra y asfalto.

Un tema de conversación al que siempre vuelves con gusto:

- La música.

Un fotógrafo que te inspire:

- William Eggleston.

Algo que has descubierto hace poco y te ha sorprendido:

 - Aunque suene y sea un tópico... Que no hay nada imposible.

FRANCISCA PAGEO. “Me identifico con el ansia de escapar de Dorothy en el Mago de Oz”. Dresslab. Abril 2013

ENGLISH BELLOW

 



Tour or Die Pilot Project from Wellcome Home on Vimeo.

El primer contacto profesional que Francisca Pageo (Murcia, 1983) tuvo con la fotografía fue trabajando como asistente de su hermano. 

Estudió Impresión en Artes Gráficas y poco a poco fue desarrollando una obra más personal por la que se ha hecho más reconocida: sus 

inconfundibles collages.

La artista, también conocida como Misspaq, se refiere a la época en la que descubrió el collage como un período en el que empezó a 

devorar todo lo relacionado con el mundo del arte: “Fue una época de mucha experimentación en la que me dejaba guiar 

muchísimo por la novedad y lo exótico. Bebía de fuentes muy diversas, desde la fotografía y el cine hasta la repostería. 

Siempre estaba maquinando cosas nuevas”.

La forma de trabajo de Francisca es muy intuitiva, uno tiene la impresión de que en el momento en que decide sentarse ante la mesa 

rodeada de su archivo de imágenes, tijeras y pegamento; su cabeza está lista para ver la composición final con una claridad y 

rapidez apabullantes. Pero bajo ese manto impulsivo, existe una persona que cuida mucho los detalles:  

“Soy una persona muy perfeccionista, sobre todo en lo que se refiere al trabajo. A la hora de crear, necesito de cierta 

tranquilidad y que en el trabajo final todo goce de una perfecta armonía”. 

¿Qué pretendes transmitir?
Más que transmitir, me interesa emocionar e inspirar, que la pieza pueda provocar una reflexión. Alguna gente encuentra mi 

trabajo apaciguador, tranquilizador e inspirador. Eso me conmueve.

¿Quiénes son tus referentes?
Muchísimos y muy variados. Desde el director Andrei Tarkovsky, al pintor Degas, los fotógrafos Francesca Woodman y Elliot 

Erwit,  o los escritores Thoreau y Pessoa...

El blog y las redes sociales de Francisca están llenos de recomendaciones musicales así que era casi pregunta obligada 

preguntarle qué banda sonora pondría a su obra:
¡Ufff, ésta es una pregunta difícil! Me gusta mucho el ambient y la música drone, y quizás mi obra se acerque a la línea 

minimalista que ambos estilos comparten. Quizás Stars of lid, Alva Noto, Brian Eno, Harold Budd... e incluso algo de jazz 

como Mark Hollis.

Sé que eres una gran lectora, dime un personaje de ficción con el que te identificas.
Me identifico mucho con Dorothy Gale, de El mago de Oz. Desde pequeña ya me sentía identificada con ella, quizás por ese 

ansia de escapar y por su entusiasmo por avanzar... 
También me identifico con otro personaje totalmente diferente: Bernardo Soares, de El libro del desasosiego de Fernando 

Pessoa, es y siempre será uno de mis libros de cabecera.

Mito caído
Lo cierto es que creo no tener ningún mito caído, suelo ser una persona con las ideas muy claras respecto a ídeología, 

personajes, etc, se refiere.

Un lugar inspirador
Me encantan las arboladas inmensas. Los árboles me gustan mucho y si son abundantes, frondosos y están muy contiguos, 

más aún. 

El mejor consejo que te han dado.
Que, a pesar de todo, incluso en las épocas malas, siga creando y trabajando. Tengo algunas personas que me apoyan 

y confían mucho en mi trabajo. Su presencia ya es un gran aliciente para seguir creando.

Deseos a corto y largo plazo:
Un deseo para el 2013 sería poder llevar mi obra a exponer a otro país. Me gusta viajar y esa sería una gran excusa 

para hacerlo.
A largo plazo, me gustaría unir collage con cine y con música y llevarlo a un ámbito totalmente multidisciplinar. 

¡Sería un popurrí de todo lo que me gusta! 

Ya hizo sus pinitos colaborando con Blanca Galindo en la dirección de arte de la introducción al Tour or Die Pilor Project para el grupo Agent Ribbons. 

 

FRANCISCA PAGEO. I identify with the same desire to escape as that of Dorothy from the Wizard of Oz

The first professional contact that Francisca Pageo (Murcia, 1983) had with photography was when she worked as her brother’s assistant. She studied printing and graphic arts and gradually developed the more personal style for which she is now recognised: her unmistakeable collages.

The artist, also known as Misspaq, refers to the time when she discovered collage as the time when she began to devour everything remotely related to the art world: “It was a time of experimentation when I let myself be guided by all things novel and exotic. My inspiration came from many sources, from photography and cinema, even from confectionary. I was full of new ideas”.
Francisca works very intuitively. One gets the impression that from the moment she sits down at the table with her files, scissors and glue, in her mind she can already visualise the final composition with stunning clarity:
“I’m a real perfectionist, and more so with regard to my work. At the moment of creativity I need a certain tranquility for the final work to be perfectly harmonious”.

What are you trying to communicate?
More than transmit, I like to excite and inspire. I like my work to elicit reflection. Some people find my work soothing, calming and inspiring. That’s very touching.

Who would you cite as your models?
They are many and varied, from director Andrei Tarkovsky to the painter Degas, photographers Francesca Woodman and Elliot Erwit, writers Thoreau and Pessoa…

Both Francisca’s blog and her social networks are full of musical recommendations, so it is almost obligatory to ask her what soundtrack she would put to her work:
Wow! That’s a tricky question. I’m very fond of ambient and drone music and it’s possible that my work approaches the minimalist lines that these styles share. Stars of the Lid, Alva Noto, Brian Eno, Harold Budd…and even a touch of jazz, like Mark Hollis.

I know you’re an avid reader. Name a fictional character with whom you identify.
I identify very closely with Dorothy Gale from The Wizard of Oz. Since I was very young I have identified with her, perhaps with her desire to escape and her enthusiasm for moving forward…
I also identify with another very different character, Bernardo Soares, from The Book of Disquiet by Fernando Pessoa. It’s a book that is, and always has been, on my bedside table.

A fallen angel?
To be honest I don’t really think I have one. With regard to ideologies, celebrities, and so forth, I’m a person with very clear ideas.

An inspirational place?
I love giant forests. I love trees, and when there are a lot of them close together and the foliage is very dense, even more so.

The best advice you’ve been given?
To keep creating, despite everything, even in toughest of times. I have people who support me and believe in what I do, and their presence is a great incentive to keep working.

Short and long-term desires?
A wish for 2013 would be to exhibit my work in another country. I love to travel and that would be the perfect excuse.
In the long term I would like to combine collage with film and music in a totally multi-disciplinary context. That would be a potpourri of everything I love!

She has already taken her first steps, collaborating with Blanca Galindo in the art direction of the introduction of the Tour or Die Pilot Project for the band Agent Ribbons.

Diane Meyer. Dresslab. Marzo 2013

English Version Below

DIANE MEYER.  

“La fotografía transforma la historia en objetos nostálgicos”

Cuando Diane Meyer (1976, Estados Unidos) no está enseñando fotografía a sus alumnos en la Loyola Marymount University, le gusta pasear por museos y galerías. Luego vuelve a su estudio y se pone a coser fotografías intentando mantener a su gato alejado de tanta lana. A Diane le encanta que sus proyectos impliquen viajar y explorar ciudades nuevas…

Mi trabajo ha estado siempre muy influenciado por los espacios y es una respuesta a la cultura visual y la historia que me rodean. Creo obras para explorar las cualidades físicas, sociales y psicológicas que configuran cada lugar.
Igual que cada espacio es diferente, mi trabajo toma formas opuestamente distintas variando de estilo y temas. En general, me interesan los mitos americanos, el humor, los clichés y tradiciones cinematográficas que vuelven a estrenarse con formas inesperadas. A menudo fusiono cultura popular con historia tratando de difuminar las diferencias entre realidad y ficción.
 Me gusta comparar ideas del siglo XIX con representaciones de construcciones y tecnologías del S. XX.

Diane narra ejemplos de obras anteriores a este proyecto de bordar fotografías que ahora ocupa su tiempo y nuestra expectación:
Cuando me trasladé de Nueva York a California, creé instalaciones a gran escala acerca del rol de la mitología en las representaciones del oeste americano. También acabé un proyecto en el que creé instalaciones en el coche-cama de un tren que atravesaba el país y proyectos específicos para dos espacios de arte de Nueva York.

Cuando me mudé a Los Ángeles, exploré la cultura de las celebrities fotografiándome a mí misma imitando a famosos. También, me interesé por la cultura de los coches y fotografié y entrevisté a cien personas que vivían sin coche en la ciudad (lo cual es bastante excepcional allí).

Las fotografías bordadas de Berlín son producto de mis recorridos por la ciudad durante una residencia artística allí. Tomé imágenes del centro y los suburbios siguiendo el rastro del Muro de Berlín. Me interesaba fotografiar lugares donde no quedase huella del muro pero subsistieran sutiles reminiscencias de su existencia. Estas pistas tenían forma de incongruencias en la arquitectura al construirse nuevos edificios en nuevas parcelas, cambios en las luces de las calles o vegetación más reciente. Además de los aspectos físicos que reflejan la anterior división de la ciudad, me interesaba el peso psicológico de estos lugares y las formas en las que el peso histórico permanece en el presente.

Me interesan los fallos en la fotografía, preservar la memoria y la historia personal. Pienso en cómo la fotografía transforma la historia en objetos nostálgicos que ocultan formas objetivas de entender el pasado.

Diane planea contar con una serie de 40 fotografías bordadas de Berlín para 2014, coincidiendo con el 25 aniversario de la caída del muro. Necesita tanto tiempo para completar el proyecto que mientras trabaja escucha películas, podcasts y música de lo más variada.
Normalmente, me documento mucho antes de comenzar un nuevo proyecto. Puede tratarse de una investigación técnica -como experimentar con distintos tipos de papel para las piezas bordadas- o más tradicional, acerca de los temas e ideas con los que estoy trabajando. Después, tomo fotografías y las edito lentamente. Me gusta trabajar en diferentes proyectos de manera simultánea durante el día.

Nos avanza otro proyecto que compagina con éste:
Lo próximo será un proyecto en el que customizaré máquinas expendedoras de souvenirs de barrios de Los Ángeles que han dejado de existir con el progreso y los derribos.

Como buena visitadora de museos y galerías, Diane Meyer, cuenta que los artistas que le influencian están en constante cambio: Gundula Schulze Eldowy, Peter Fischli and David Weiss, Mike Kelley, Tseng Kwong Chi, Tom Sachs, Ed Ruscha, Diane Arbus, Edward Hopper, Paul Kos, Philip-Lorca DiCorcia y Taryn Simon, están entre ellos.
Seguramente también Diane Meyer empieza a aparecer en la lista de favoritos de mucha gente.

 

Englihs Version

DIANE MEYER

Photography transforms history into objects of nostalgia

When Diane Meyer (1976, United States) is not teaching photography to her students at Loyola Marymount University, she likes to visit museums and galleries. Then she returns to her studio and sets about embroidering photographs, trying to keep her cat away from reams of thread. Diane loves the fact that her projects involve travelling and exploring new cities…
My work has always been highly influenced by space and it’s a response to the visual culture and history that surrounds me. I create pieces to explore the physical, social and psychological qualities that go to make up each place.
Just as each space is different, my work takes shape in ways that are diametrically opposed, varying in style and themes. In general I am interested in American myths, humour, clichés and cinematographic traditions that periodically re-emerge in unexpected ways. I often blend popular culture with history, seeking to blur the differences between reality and fiction.
I like to compare nineteenth century ideas with representations of twentieth century constructions and technologies.

Diane recounts examples of earlier projects prior to the present one involving embroidered photographs, which now occupies her time and arouses our anticipation:
When I moved from New York to California I created large-scale installations dealing with the role of mythology in representations of the American West. I also finished a project in which I created installations in the sleeping car of a train that criss-crossed the country and specific projects for two art spaces in New York.

When I moved to Los Angeles I explored celebrity culture by photographing myself imitating celebrities. I was also interested in car culture and photographed and interviewed 100 people who lived without a car in the city (something that is pretty unusual there).

The embroidered Berlin photographs are the outcome of my journeys across the city during an artistic residence there. I took images of the centre and the suburbs, tracing the line of the Berlin Wall. I was interested in photographing places where there is no visible remnant of the wall but there are still subtle reminders of its existence. These clues take the form of architectural incongruities such as when new buildings go up on undeveloped land, changes in street lighting or more recent vegetation. As well as the physical aspects reflecting the earlier division of the city, I’m interested in the psychological weight of these places and the ways in which the weight of history endures in the present.

I am interested in failures in photography, in preserving memories and personal histories. I reflect on how photographs transform history into objects of nostalgia that obscure objective ways of understanding the past.

Diane is planning to have a series of 40 embroidered photographs of Berlin for 2014 to coincide with the twenty-fifth anniversary of the fall of the wall. She needs so much time to complete the project that she is able to listen to a wide variety of music, podcasts and films while she works.
Normally I do all the background work long before starting a new project. It could be a case of technical research -such as experimenting with different types of paper for the embroidered sections- or more conventional, to do with the themes and ideas I’m working with. Then I take the photos and edit them slowly. I like to work on different projects simultaneously over the course of the day.

You have another project coming up that dovetails with this one:
In my next project I’m going to customise vending machines selling souvenirs of parts of Los Angeles that have been swept away by progress and demolition programmes.

As someone who haunts museums and galleries, Diane Meyer admits that the artists who influence her are in constant flux: Gundula Schulze Eldowy, Peter Fischli and David Weiss, Mike Kelley, Tseng Kwong Chi, Tom Sachs, Ed Ruscha, Diane Arbus, Edward Hopper, Paul Kos, Philip-Lorca diCorcia and Taryn Simon feature among their number.
No doubt Diane Meyer is starting to appear on many people’s lists of favourites, too.

 

Yang Fudong. Imágenes que atrapan. Dresslab. Febrero13

English version below

Yang Fudong. Imágenes que atrapan

Aún guardo la primera invitación que me llegó de una exposición de Yang Fudong. De entre todas las tarjetas recibidas, ésa consiguió desmarcarse y, pese al paso de los años, es de las pocas que ha seguido superando pruebas en forma de consecutivas limpiezas y alguna que otra mudanza.
 

Yang Fudong (China, 1971) fue alumno de la Academia Nacional de Bellas Artes de Hangzhou y poco después de licenciarse en pintura e interesarse por la fotografía y el cine, se instaló en Shanghai persiguiendo un clima más abierto a la creatividad. 

En 2002 su obra fue presentada en la XI Documenta de Kassel y desde ese momento experimentó un imparable lanzamiento internacional.

Yang compara rodar un audiovisual de estilo muy personal con el acto de pintar: “Quería visualizar una imagen congelada de mi corazón pero sentía la necesidad de profundizar y llegar más lejos”. Fudong sentía la curiosidad de explorar cómo afectaban los rápidos cambios que estaban teniendo lugar en la sociedad china en los jóvenes que habitaban sus ciudades. Se preguntaba si la gente posee una vida espiritual paralela, como a él le gustaría creer -“Quería saber si el peligro que sentimos cuando nos acercamos a una serpiente venenosa y la incertidumbre que experimentamos ante la niebla matinal están asociados con esa realidad mística”-.
 

En los últimos tres años, los temas principales en los que se centra su obra son la relación entre tiempo, lugar, realidad y artificio y el cuestionamiento de sus procesos de trabajo respecto a la veracidad de lo que acontece en él. - “¿Qué es la realidad?, ¿qué es la realidad para ti? Podemos enfocarla desde muy distintos ángulos que están directamente relacionados con nuestra vida diaria”. A Fudong le preocupa que en el set de rodaje desaparecen los límites entre lo real y lo irreal; a mí me gustaría contarle que sus imágenes transmiten sensaciones reales, que uno se acuerda de los límites de la proyección o del marco cuando quiere saber cómo sigue transcurriendo la historia en el espacio que queda fuera de enfoque y cuando se detiene a contemplar la belleza de cada instante captado por su cámara.
 

El artista confiesa que posee un instinto de perseguir la belleza y la perfección en cada proyecto que pone en marcha. Para conseguirlo, no duda en ensayar y rodar las escenas tantas veces como haga falta, tantas como para hacer una obra posterior con todos los descartes: Dawn Mist, Separation Faith.
 

Tampoco duda en trabajar mano a mano con un diseñador, Yin Xiaoming, en el que ha encontrado al cómplice capaz de traducir sus imágenes mentales en escenario de sus rodajes.

Fudong quiere probar cosas nuevas en cada trabajo, porque él se siente diferente cada vez que termina una pieza, y sueña con espectadores que acepten una ilimitada capacidad formal de los formatos audiovisuales. 
 

Cuando tuve la oportunidad de viajar para ver una de sus exposiciones en directo, no dudé en hacerlo. Creo que lo más significativo que puedo decir al respecto es que no dudaría en volver a engañar al primer amigo que pudiese para repetir la experiencia.

Fudong prefiere no dar muchas explicaciones y dejar su obra abierta a todo tipo de interpretaciones. Yo os animo a pasaos por su web e interpretar.

Vídeo con una muestra de varios trabajos: http://www.youtube.com/watch?v=eq_l9pDkEuc

ENGLISH

YANG FUNDONG. Captivating images

I still have the first invitation I received for an exhibition of Yang Fudong. Among all the invitations, this is one that has managed to stand out from the crowd and, despite the years that have gone by, is one of the few that have survived the spring cleanings and the occasional move.

Yang Fudong (China, 1971) was a student at the National Fine Arts Academy in Hangzhou and, after graduating in painting and acquiring an interest in photography, he moved to Shanghai in search of a more receptive creative climate. In 2002, his work was presented in Documenta 11, in Kassel and, since then, the diffusion of his work onto the international scene has been unstoppable.

Yang compares his personal style of filming with painting: “I wanted to visualise a frozen image of my heart, but I felt the need to dig deeper, to explore further”. He was curious about the effects on urban youth of the rapid changes that were taking place in Chinese society, and whether or not the people had a parallel spiritual life, as he would have liked to believe -“I wanted to know whether or not the sense of danger we feel when we approach a poisonous snake, or the sense of uncertainty we experience when faced with the dawn mist are associated with this mystic reality”-.

For the past three years, the principle themes approached in his work are the relationship between time, place, reality and artifice, and the examination of his working processes with respect to the truthfulness that he himself experiences. -“What is reality? What constitutes reality for you? We can approach it from many different perspectives that are directly related to our daily lives”. Fudong is concerned that the limits of what is real and what is not disappear on the film set. I, personally, would like to have the opportunity to tell him that his images transmit real sensations, that one is reminded of the limits of the projection, or the frame, when one feels a desire to know how the story evolves off screen and when one stops to admire the beauty of every instant captured by his camera.

The artist confesses that his instinct is to seek beauty and perfection in every one of his projects and, in order to attain it, has no qualms about rehearsing and filming as many takes as necessary. Enough, in fact, to be able to create posterior works using the discarded takes: Dawn Mist, Separation Faith.
Neither does he have any doubts about working side by side with designer Yin Xiaoming, in whom he has found an accomplice with the ability to translate his mental images into film sets.
Fudong wants to experiment with each new project as he himself feels different every time he finishes a piece. He dreams of spectators who are willing to accept the unlimited formal capabilities of audio-visual formats.

When given the opportunity to travel to one of his exhibitions, I didn’t think twice and, to be honest, I wouldn’t think twice about convincing the first friend I came across to repeat the experience, should the occasion arise again.
Fudong prefers not to give to many explanations, preferring to leave his work open to interpretation. I urge you to visit his web site and form your own ideas.

 

Erwin Olaf. Dresslab. Diciembre 2012

ERWIN OLAF. Diario de un fotógrafo

El artista Erwin Olaf - www.erwinolaf.com - (Holanda, 1959) pretende que fantaseemos sobre sus sugerentes fotografías y audiovisuales. Teniendo este objetivo como meta, nos muestra el momento inmediatamente anterior o posterior de que algo suceda o haya ocurrido ya, el resto de la historia lo pones tú.

Erwin Olaf cuenta muchas más cosas y no puedo resistirme a compartirlas:

Erwin Olaf confiesa que se puede ser testigo de la evolución de sus preocupaciones personales a lo largo del tiempo a través de su obra: cuando tenía 20, la obsesión por el sexo; a los 30, era más agresivo y ambicioso; ahora, cuando más exposiciones a nivel internacional tiene y y más viaja, la soledad y la espera se convierten en temas centrales de su obra.

Para su serie “Hotel” contó con modelos de moda que están acostumbradas a viajar y pasar muchas horas en hoteles por lo que entendían muy bien la emoción que quería transmitir.

Después reflexionó sobre la espera del ser querido. Para ello, recreó imágenes que contaban historias de familias que despedían al hombre que partía a la guerra en la doble serie Dusk/Dawn.

Ambientaciones en negro inspiradas en los Estados Unidos y estancias en blanco inspiradas en Rusia.

Erwin Olaf cuenta que le es más fácil transmitir sensaciones a través de protagonistas femeninas porque no siente una atracción sexual hacia ellas.

Erwin Olaf cuenta que le gusta crear escenografías en su estudio en lugar de buscar localizaciones. Este método de trabajo le permite gozar de una mayor capacidad de controlarlo todo, empezando por la luz.

A Erwin Olaf le parece que la fórmula perfecta de trabajo consiste en compaginar sus proyectos personales con los encargos comerciales: no tiene tanto que contar como para dedicarse únicamente a proyectos propios y se acabaría cansando de trabajar solo para publicidad.

Erwin Olaf empezó a hacer vídeos musicales, después incorporó vídeos en sus exposiciones como forma de crear la ambientación adecuada para cada serie. Ahora ha añadido la escultura. Con este nuevo giro, incorpora elementos de los ambientes que recrea en sus obras a la sala de exposición y difumina los límites entre la fotografía enmarcada y el espacio en que el espectador se encuentra.

Seguiremos leyendo este exquisito diario de emociones en imágenes que el artista holandés nos propone.

ERWIN OLAF. Diary of a photographer

Photographer Erwin Olaf (Holland, 1959) wants us to fantasise over his suggestive photos and video clips. This is what he has in mind when he presents us with the moments immediately before and after something happens, or has already happened. The rest of the story is up to us.
Erwin Olaf has many stories to tell, and I can’t resist sharing them…

The artist confesses that his work allows us to bear witnesses to the evolution of his personal concerns over the years. At 20, his obsession with sex, at 30 he was more aggressive and ambitious, and now, with many more miles and international exhibitions behind him, loneliness and anticipation have become central themes in his work.

For his Hotel series he used models who are accustomed to travel and endless hotel room hours and, as a result, understand exactly what he wanted to transmit.

In the Dusk/Dawn series, the artist reflects on the idea of waiting for a loved one and, with this in mind, has recreated images that tell stories of families saying goodbye to the man of the house heading off to war. Black and white ambience inspired by the U.S.A. and white settings inspired by Russia.
 

According to Erwin, it is easier for him to transmit sensations through female protagonists because he doesn’t feel sexual attraction for them.

He also tells us that he prefers to recreate settings in his studio rather than using natural locations, as this method allows him greater control over all aspects of his work, beginning with light.

Erwin Olaf considers that the perfect working formula consists of combining personal projects with business assignments. He feels he doesn’t have so much to tell that he would be able to dedicate his time solely to personal projects and, at the same time, he would soon tire of working exclusively for advertising.

At one stage Erwin started making music videos, and eventually began incorporating these into his exhibitions as a means of creating a specific ambience for each series. Finally, he has added sculpture to his repertoire, incorporating elements from the scenes he recreates in his photographic works into the exhibition space, blurring the limits that separate framed photographs from the physical space of the viewer.
We should continue reading this Dutch artist’s exquisite diary of emotions.